Póster Edgar Degas - Lala Circus Fernando 1879 trapeze

Título Deutsch: Miss Lala im Zirkus Fernado Año 1879 Técnica Deutsch: Öl auf Leinwand Dimensions Deutsch: 117 × 77 cm... Es considerado como uno de los fundadores del impresionismo aunque rechazó el término, y prefirió ser llamado realista. Magnífico dibujante, se identifica especialmente con el tema del baile, y más de la mitad de sus obras representan bailarines. Éstos muestran su dominio en la representación del movimiento, al igual que sus sujetos de carreras y desnudos femeninos. Sus retratos son notables por su complejidad psicológica y su representación del aislamiento humano. A comienzos de su carrera, su ambición era ser un pintor de historia, un llamado por el que estaba bien preparado gracias a su rigurosa formación académica y a su estrecho estudio del arte clásico. A sus treinta años, cambió de curso y al llevar los métodos tradicionales de un pintor de historia a la asignatura contemporánea, se convirtió en un pintor clásico de la vida moderna. Degas nació en París, Francia, el mayor de cinco hijos de Célestine Musson De Gas y Augustin De Gas, banquero. La familia era moderadamente rica. Su madre murió cuando Degas tenía trece años, después de lo cual su padre y su abuelo fueron las principales influencias en su temprana vida. A los once años, Degas (en la edad adulta abandonó la ortografía más pretenciosa del apellido) comenzó su educación con la inscripción en el Liceo Louis-le-Grand, graduándose en 1853 con un bachillerato en literatura. Degas empezó a pintar a comienzos de su vida. A los dieciocho años, había convertido una habitación en su casa en un estudio para artistas, y en 1853 se registró como copista en el Louvre. Sin embargo, su padre esperaba que fuera a la escuela de derecho. Degas se inscribió debidamente en la Facultad de Derecho de la Universidad de París en noviembre de 1853, pero hizo poco esfuerzo en sus estudios allí. En 1855, Degas conoció a Jean Auguste Dominique Ingres, a quien veneró, y cuyo consejo nunca olvidó: "Dibuja líneas, joven, y aún más líneas, tanto de la vida como de la memoria, y te convertirás en un buen artista". En abril de ese mismo año, Degas recibió la admisión en la Ecole des Beaux-Arts, donde estudió dibujo con Louis Lamothe, bajo cuya guía floreció, siguiendo el estilo de Ingres. En julio de 1856, Degas viajó a Italia, donde permanecería durante los próximos tres años. En 1858, mientras se alojaba con la familia de su tía en Nápoles, realizó los primeros estudios para su obra maestra temprana, La familia Bellelli. También dibujó y pintó copias después de que Miguel Ángel, Rafael, Tiziano y otros artistas del Renacimiento, a menudo seleccionando de un retablo una cabeza individual que trató como un retrato En 1860 Degas había hecho más de setecientas copias de trabajos que incluían arte clásico del Renacimiento italiano y francés. empezar a pintar La familia Bellelli, un imponente lienzo que pretendía exhibir en el Salón, aunque permaneció inacabado hasta 1867. También comenzó a trabajar en varias pinturas históricas: Alejandro y Bucéfalo y La hija de Jefthah en 1859-60; Sémiramis Building Babylon en 1860; y Spartans jóvenes alrededor de 1860. En 1861, Degas visitó a su amigo de la infancia Paul Valpinçon en Normandía, e hizo lo primero de sus muchos estudios de caballos. Exhibió en el Salón por primera vez en 1865, cuando el jurado aceptó su pintura Escena de la Guerra en la Edad Media, que atrajo poca atención. Aunque exhibió anualmente en el Salón durante los próximos cinco años, no presentó más pinturas de historia, y su Steeplechase —The Fallen Jockey (Salón de 1866) señaló su creciente compromiso con el tema contemporáneo. El cambio en su arte estuvo influenciado principalmente por el ejemplo de Edouard Manet, a quien Degas se había reunido en 1864 (mientras que ambos copiaban el mismo retrato de Velázquez en el Louvre, según una historia que puede ser apócrifa). En el estallido de la guerra franco-prusiana en 1870, Degas se alistó en la Guardia Nacional, donde su defensa de París le dejó poco tiempo para pintar. Durante el entrenamiento con rifle se encontró que su vista estaba defectuosa, y durante el resto de su vida sus problemas oculares fueron una preocupación constante para él. Después de la guerra, en 1872, Degas comenzó una estadía prolongada en Nueva Orleans, Luisiana, donde vivían su hermano René y otros parientes. Alojándose en una casa en la Avenida Esplanade, Degas produjo una serie de obras, muchas de ellas representando a miembros de la familia. Una de las obras de Nueva Orleans de Degas, representando una escena en The Cotton Exchange en Nueva Orleans, atrajo la atención favorable en Francia, y fue su único trabajo adquirido por un museo (el de Pau) durante su vida. Degas regresó a París en 1873. Al año siguiente murió su padre, y en el posterior asentamiento de la finca se descubrió que el hermano de Degas, René, había acumulado enormes deudas de negocios. Para preservar el nombre de la familia, Degas se vio obligado a vender su casa y una colección de arte que había heredado. Dependiendo por primera vez en su vida de las ventas de sus obras de arte por ingresos, produjo gran parte de su mayor trabajo durante la década que comenzó en 1874. Ahora completamente desencantado con el Salón, Degas unió fuerzas con un grupo de jóvenes artistas que tenían la intención de organizar una sociedad de exhibición independiente. La primera de sus exhibiciones, que fueron rápidamente denominadas Exposiciones Impresionistas, fue en 1874. Posteriormente, los impresionistas celebraron siete espectáculos adicionales, el último en 1886. Degas asumió un papel de liderazgo en la organización de las exhibiciones, y mostró su trabajo en todas menos una de ellas, a pesar de sus persistentes conflictos con otros miembros del grupo. Tenía poco en común con Monet y los demás pintores de paisajes, a quienes se burlaba por pintar al aire libre. Conservador en sus actitudes sociales, aborrecía el escándalo creado por las exhibiciones, así como la publicidad que sus colegas buscaban. Rechazó amargamente la etiqueta de impresionista que la prensa había creado y popularizado, y su insistencia en incluir a artistas no impresionistas como Jean-Louis Forain y Jean-François Raffaëlli en sus exhibiciones generó rencor dentro del grupo, contribuyendo a su eventual disolución en 1886. A medida que su situación financiera mejoraba a través de las ventas de su propio trabajo, pudo consentir su pasión por coleccionar obras de artistas que admiraba: antiguos maestros como El Greco y contemporáneos como Manet, Pissarro, Cézanne, Gauguin y Van Gogh. Tres artistas a los que idolatró, Ingres, Delacroix y Daumier, estuvieron especialmente bien representados en su colección. A finales de los 80, Degas también desarrolló una pasión por la fotografía. Fotografió a muchos de sus amigos, a menudo de forma relámpago, como en su doble retrato de Renoir y Mallarmê. Otras fotografías, que representan bailarinas y desnudos, se utilizaron como referencia en algunos de los dibujos y pinturas de Degas. A medida que pasaban los años, Degas se aislaba, en parte por su creencia de que un pintor no podía tener vida personal. La controversia del Caso Dreyfus puso de relieve sus inclinaciones antisemitas y rompió con todos sus amigos judíos. Su naturaleza argumentativa fue deplorada por Renoir, que dijo de él: "¡Qué criatura era, que Degas! Todos sus amigos tuvieron que dejarlo; yo era uno de los últimos en ir, pero ni siquiera pude quedarme hasta el final". Aunque se sabe que había estado trabajando en pastel a finales de 1907, y se cree que siguió haciendo escultura hasta 1910, aparentemente dejó de trabajar en 1912, cuando la inminente demolición de su larga residencia en la calle Victor Massé obligó a un desgarrador traslado a barrios del bulevar de Clichy. Nunca se casó y pasó los últimos años de su vida, casi ciego, vagando sin descanso por las calles de París antes de morir en 1917. A menudo se identifica a Degas como impresionista, una descripción comprensible pero insuficiente. El impresionismo se originó en los años 1860 y 1870 y creció, en parte, a partir del realismo de pintores como Courbet y Corot. Los impresionistas pintaron las realidades del mundo a su alrededor usando colores brillantes y "deslumbrantes", concentrándose principalmente en los efectos de la luz, y con la esperanza de infundir sus escenas con inmediatez. Técnicamente, Degas difiere de los impresionistas en que él "nunca adoptó el cuello de colores impresionista", y continuamente menospreciaba su práctica de pintar en el aire. "A menudo era tan antiimpresionista como los críticos que revisaron los programas", según el historiador de arte Carol Armstrong; como explicó el propio Degas, "ningún arte era menos espontáneo que el mío. Lo que hago es el resultado de la reflexión y del estudio de los grandes maestros; de la inspiración, la espontaneidad, el temperamento, no sé nada". Sin embargo, se le describe con más precisión como impresionista que como miembro de cualquier otro movimiento. Sus escenas de la vida parisina, sus composiciones fuera del centro, sus experimentos con el color y la forma, y su amistad con varios artistas impresionistas clave —principalmente Mary Cassatt y Edouard Manet— lo relacionan íntimamente con el movimiento impresionista. El estilo de Degas refleja su profundo respeto por los antiguos maestros (fue un copista entusiasta hasta la mediana edad) y su gran admiración por Jean Auguste Dominique Ingres y Eugène Delacroix. También fue coleccionista de impresiones japonesas, cuyos principios de composición influyeron en su trabajo, al igual que el vigoroso realismo de ilustradores populares como Daumier y Gavarni. Aunque es famoso por los caballos y bailarines, Degas comenzó con pinturas históricas convencionales como Los jóvenes espartanos, en las que su progreso gradual hacia un tratamiento menos idealizado de la figura ya es evidente. Durante su temprana carrera, Degas también pintó retratos de individuos y grupos; un ejemplo de esto último es La Familia Bellelli (c.1858-67), una brillante y dolorosa representación de su tía, su esposo y sus hijos, compuesta de manera psicológica. En esta pintura, como en Los jóvenes espartanos y muchas obras posteriores, Degas se vio atraído por las tensiones presentes entre hombres y mujeres. En sus primeras pinturas, Degas ya evidenciaba el estilo maduro que luego desarrollaría más completamente al recortar torpemente temas y al elegir puntos de vista inusuales. A fines de los años 1860, Degas había pasado de sus incursiones iniciales a la pintura de la historia a una observación original de la vida contemporánea. Las escenas del hipódromo brindaron la oportunidad de representar a los caballos y a sus jinetes en un contexto moderno. Empezó a pintar mujeres en el trabajo, molineros y colchonetas. Mlle. Fiocre en el Ballet La Source, exhibido en el Salón de 1868, fue su primer gran trabajo para presentar un tema con el que se convertiría especialmente identificado, bailarinas. En muchas pinturas subsiguientes se mostraron bailarinas detrás de escena o en ensayo, enfatizando su condición como profesionales haciendo un trabajo. Son estos bailarines los que han determinado la popularidad de Degas hasta hoy, desde 1870 pintó cada vez más temas de ballet. Entre otras razones la serie de ballet fue fácil de vender y viendo como las deudas de su hermano habían dejado a la familia en quiebra, Degas necesitaba dinero. Degas también empezó a pintar la vida de la cafetería. Instó a otros artistas a pintar "vida real" en lugar de pinturas mitológicas o históricas tradicionales, y las pocas escenas literarias que pintó eran modernas y de contenido altamente ambiguo. Por ejemplo, el Interior (que también se ha llamado La Violación) ha presentado un enigma a los historiadores del arte en busca de una fuente literaria; la evidencia interna sugiere que puede estar basada en una escena de Thérèse Raquin. A medida que su tema cambió, también lo hizo la técnica de Degas. La paleta oscura que dominaba la influencia de la pintura holandesa cedió el paso al uso de colores vivos y bruscos llamativos. Pinturas como la Place de la Concorde leen como "instantáneas", momentos de congelación para retratarlas con precisión, impregnando una sensación de movimiento. Se puede decir que la falta de color en el ensayo del ballet de 1874 sobre el escenario y el instructor del ballet de 1876 se vincula con su interés en la nueva técnica de la fotografía. Los cambios en su paleta, su trabajo de broche y su sentido de la composición evidencian la influencia que el movimiento impresionista y la fotografía moderna, con sus imágenes espontáneas y ángulos poco brillantes, tuvieron en su obra. Desdibujando la distinción entre retrato y género, pintó a su amigo bajonista, Désiré Dihau, en la Orquesta de la Ópera (1868-69) como uno de catorce músicos en un foso de orquesta, visto como si fuera un miembro del público. Por encima de los músicos sólo se pueden ver las piernas y el tuto de los bailarines en el escenario, sus figuras recortadas por el borde de la pintura. El historiador de arte Charles Stuckey ha comparado el punto de vista con el de un espectador distraído en un ballet, y dice que "es la fascinación de Degas con la representación del movimiento, incluido el movimiento de los ojos de un espectador como durante una mirada al azar, que es apropiadamente hablando 'impresionista'". El estilo maduro de Degas se distingue por pasajes notoriamente inacabados, incluso en pinturas de otras formas muy bien representadas. Frecuentemente culpó a sus problemas oculares por su incapacidad para terminar, una explicación que encontró cierto escepticismo de colegas y coleccionistas que razonaron, como explica Stuckey, que "sus fotos difícilmente podrían haber sido ejecutadas por alguien con una visión inadecuada". El artista dio otra pista cuando describió su predilección por "empezar cien cosas y no terminar una de ellas", y se mostró en cualquier funda notoriamente reacio a considerar una pintura completa. Su interés en el retrato lo llevó a estudiar cuidadosamente las maneras en que la estatura social o la forma de empleo de una persona pueden ser reveladas por su fisonomía, postura, vestimenta y otros atributos. En sus retratos de 1879, en la Bolsa de Valores, retrató a un grupo de hombres de negocios judíos con un toque de antisemitismo. En 1881 exhibió dos pasteles, Criminal Physiognomies, que representaban a jóvenes pandilleros recientemente condenados por asesinato en el "Abadie Affair". Degas había asistido a su juicio con un cuaderno de bocetos en la mano, y sus numerosos dibujos de los acusados revelan su interés en las características atávicas que algunos científicos del siglo XIX pensaron que eran evidencia de innata criminalidad[33]. En sus pinturas de bailarinas y colchonetas, revela sus ocupaciones no sólo por sus ropas y actividades, sino también por su tipo de cuerpo. Sus bailarinas exhiben una física atlética, mientras que sus colchones son pesados y sólidos. A finales de los años 1870, Degas no sólo dominaba el medio tradicional de aceite sobre lienzo, sino también el pastel. El medio seco, que aplicó en capas y texturas complejas, le permitió conciliar más fácilmente sus instalaciones de línea con un creciente interés en el color expresivo. A mediados de la década de 1870, también volvió al medio del grabado, que había descuidado durante diez años, y comenzó a experimentar con medios menos tradicionales de impresión: litografías y monotipos experimentales. Estaba especialmente fascinado por los efectos producidos por el monotipo, y a menudo retocaba las imágenes impresas con colores pastel. Estos cambios en los medios generaron las pinturas que Degas produciría en el futuro. Degas empezó a dibujar y pintar mujeres secándose con toallas, peinándose y bañándose (ver: Después del baño). Los trazos que modelan el formulario se garabatean más libremente que antes; los fondos se simplifican. El meticuloso naturalismo de su juventud dio paso a una creciente abstracción de la forma. Excepto por su característicamente brillante redacción y obsesión con la figura, las fotos creadas en este último periodo de su vida tienen poco parecido superficial a sus primeras pinturas. Irónicamente, son estas pinturas, creadas a finales de su vida, y después del apogeo del movimiento impresionista, las que más obviamente utilizan las técnicas de impresionismo. A pesar de toda la evolución estilística, ciertas características del trabajo de Degas se mantuvieron iguales a lo largo de su vida. Siempre pintaba en el interior, prefiriendo trabajar en su estudio, ya sea desde la memoria o usando modelos. La figura sigue siendo su tema principal; sus pocos paisajes se producen a partir de la memoria o la imaginación. No era raro que repitiera un tema muchas veces, variando la composición o el tratamiento. Era un artista deliberativo cuyas obras, como escribió Andrew Forge, "fueron preparadas, calculadas, practicadas, desarrolladas en etapas. Estaban hechos de partes. El ajuste de cada parte a la totalidad, su arreglo lineal, fue la ocasión para la reflexión y el experimento infinitos". El propio Degas explicó: "En el arte, nada debería parecer casualidad, ni movimiento". Degas, que creía que "el artista debe vivir solo, y su vida privada debe seguir siendo desconocida", vivió una vida sin incidentes. En compañía era conocido por su ingenio, que a menudo podía ser cruel. El novelista George Moore lo caracterizó como un "viejo currículo", y deliberadamente cultivó su reputación de soltero misántropo. Profundamente conservador en sus opiniones políticas, se opuso a todas las reformas sociales y encontró poco que admirar en avances tecnológicos como el teléfono. Despidió a una modelo al enterarse de que era protestante. Aunque Degas pintó varios sujetos judíos de 1865 a 1870, su antisemitismo se hizo evidente a mediados de los años 1870. Su pintura de 1879 en The Bourse es ampliamente considerada como fuertemente antisemita, con las características faciales del banquero tomadas directamente de los personalizados antisemitas desenfrenados en París en ese momento. El Caso Dreyfus, que dividió París entre los años 1890 y principios del siglo XX, intensificó aún más su antisemitismo. A mediados de la década de 1890, había roto relaciones con todos sus amigos judíos, había negado públicamente sus amistades previas con artistas judíos y se había negado a usar modelos que creía que podían ser judíos. Seguía siendo un antisemita franco y miembro de los antisemitas "Anti-Dreyfusards" hasta su muerte. Durante su vida, la recepción pública del trabajo de Degas iba desde la admiración hasta el desprecio. Como artista prometedor en el modo convencional, Degas tuvo una serie de pinturas aceptadas en el Salón entre 1865 y 1870. Estas obras recibieron elogios de Pierre Puvis de Chavannes y del crítico Castagnary. Sin embargo, Degas pronto unió fuerzas con los impresionistas, y rechazó las rígidas reglas, juicios y elitismo del Salón —tal como el Salón y el público en general inicialmente rechazaron el experimentalismo de los impresionistas. El trabajo de Degas fue controvertido, pero fue admirado por su habilidad para delinquir. Su obra La Petite Danseuse de Quatorze Ans, o Pequeña Bailarina de Catorce Años, que expuso en la sexta exhibición impresionista en 1881, fue probablemente su pieza más controvertida; algunos críticos condenaron lo que pensaban era "una fealdad atroz" mientras que otros vieron en ella un "florecimiento". La suite de desnudos Degas expuesta en la octava Exposición Impresionista en 1886 produjo "el cuerpo más concentrado de escritura crítica sobre el artista durante su vida. ... La reacción general fue positiva y elogiosa". Reconocido como un artista importante al final de su vida, Degas es ahora considerado "uno de los fundadores del impresionismo". Aunque su trabajo traspasó muchos límites estilísticos, su participación con otras figuras importantes del impresionismo y sus exhibiciones, sus cuadros y bocetos dinámicos de la vida y actividades cotidianas, y sus experimentos de colores audaces, sirvieron para finalmente vincularlo al movimiento impresionista como uno de sus mejores primeros artistas. Sus pinturas, pasteles, dibujos y escultura —la mayoría de los últimos no estaban destinados a la exhibición, y fueron descubiertos sólo después de su muerte— están en una exhibición destacada en muchos museos. Después de su muerte en 1917, se encontraron más de 150 obras escultóricas en su estudio, de las cuales los protagonistas consistieron principalmente en caballos de raza y bailarinas. Los eruditos de Degas han acordado que las esculturas no fueron creadas como ayuda para la pintura. Su primera y única muestra de escultura durante su vida tuvo lugar en 1881, cuando exhibió La Bailarina de los Catorce Años, recién estrenada en 1920; el resto de las obras escultóricas permanecieron privadas hasta una exposición después de su muerte en 1918. La escultura no fue tanto en respuesta a su visión fallida como un hilo más a su esfuerzo continuo por explorar diferentes medios. Dondequiera que parecía existir la posibilidad, exploró maneras de vincular el arte gráfico con la pintura al óleo, el dibujo y los tonos pastel, la escultura y la fotografía. Degas asignó el mismo significado a la escultura que al dibujo: "El dibujo es una forma de pensar, modelando otra". Aunque Degas no tenía alumnos formales, influyó mucho en varios pintores importantes, principalmente Jean-Louis Forain, Mary Cassatt y Walter Sickert; su mayor admirador puede haber sido Henri de Toulouse-Lautrec.[ El realismo del REALISMO en las artes visuales es un estilo que representa la realidad de lo que los ojos pueden ver. El término se usa en diferentes sentidos en la historia del arte; puede significar lo mismo que el ilusionismo, la representación de sujetos con mimesis visual o verosimilitud, o puede significar un énfasis en la realidad de los sujetos, representarlos sin idealización, y no omitir sus aspectos sórdidos. Las obras pueden ser realistas en cualquiera de estos sentidos, o en ambos. El uso de los dos sentidos puede ser confuso, pero dependiendo del contexto, el segundo sentido tal vez sea más común. El realismo como tendencia en el arte del siglo XIX se relacionaba con movimientos similares en el teatro, la literatura y la ópera. Todos enfatizaron la representación de los sujetos cotidianos, pero de ninguna manera siempre descartan los enfoques clásicos, románticos o sentimentales para su tratamiento. El movimiento comenzó en la década de 1850 en Francia. Una de las obras más importantes de Gustave Courbet es A Burial at Ornans, 1849-1850, un lienzo que grabó un evento que presenció en septiembre de 1848. La pintura de Courbet del funeral de su tío abuelo se convirtió en la primera gran declaración del estilo realista. IMPRESIONISMO El impresionismo fue un movimiento artístico del siglo XIX que comenzó como una asociación poco rígida de artistas con sede en París cuyas exhibiciones independientes los hicieron prominentes en las décadas de 1870 y 1880. El nombre del movimiento deriva del título de una obra de Claude Monet, Impression, Sunrise (Impression, Soleil levant), que provocó que el crítico Louis Leroy acuñara el término en una crítica satírica publicada en Le Charivari. Las características de las pinturas impresionistas incluyen pinceladas visibles, composición abierta, énfasis en la luz en sus cualidades cambiantes (a menudo acentuando los efectos del paso del tiempo), materia común, inclusión del movimiento como elemento crucial de la percepción y experiencia humana, y ángulos visuales inusuales. El surgimiento del impresionismo en las artes visuales fue seguido pronto por movimientos análogos en otros medios que se hicieron conocidos como música impresionista y literatura impresionista. El impresionismo también describe el arte creado en este estilo, pero fuera del período de finales del siglo XIX. Los radicales de su época, los primeros impresionistas rompieron las reglas de la pintura académica. Empezaron por dar colores, cepillados libremente, primacía sobre línea, inspirándose en el trabajo de pintores como Eugène Delacroix. También sacaron el acto de pintar del estudio y del mundo moderno. Anteriormente, se habían pintado en el interior de casas todavía vivas y retratos, así como paisajes. Los impresionistas descubrieron que podían captar los efectos momentáneos y transitorios de la luz solar pintando el aire en plein. Pintando escenas realistas de la vida moderna, hicieron hincapié en los efectos globales vívidos más que en los detalles. Utilizaron trazos de pincel cortos, "rotos" de color puro y sin mezclar, no mezclados suavemente, como era habitual, para lograr el efecto de vibración de color intenso. Aunque el auge del impresionismo en Francia ocurrió en un momento en que otros pintores, incluidos los artistas italianos conocidos como los Macchiaioli y Winslow Homer en Estados Unidos, también estaban explorando la pintura al aire, los impresionistas desarrollaron nuevas técnicas específicas para el movimiento. Comprender lo que sus adherentes argumentaban era una manera diferente de ver, era un arte de inmediatez y movimiento, de poses y composiciones francas, del juego de la luz expresado en un uso brillante y variado del color. El público, al principio hostil, gradualmente llegó a creer que los impresionistas habían capturado una visión fresca y original, aunque no recibiera la aprobación de los críticos de arte y el establishment. Al volver a crear la sensación en el ojo que ve el tema, en lugar de recrear el tema, y al crear un oleaje de técnicas y formas, el impresionismo se convirtió en un precursor seminal de varios movimientos en la pintura que seguirían, incluyendo el neoimpresionismo, el post-impresionismo, el fauvismo y el cubismo. PINTAR la pintura es un modo de expresión y los formularios son numerosos. El dibujo, la composición o la abstracción y otras estéticas pueden servir para manifestar la intención expresiva y conceptual del profesional. Las pinturas pueden ser naturalistas y representativas (como en una pintura de vida o paisaje), fotográficas, abstractas, cargadas de contenido narrativo, simbolismo, emoción o de naturaleza política. La pintura es la práctica de aplicar pintura, pigmento, color u otro medio a una superficie (base de soporte). En el arte, el término describe tanto el acto como el resultado, que se llama pintura. Las pinturas pueden tener como soporte superficies como paredes, papel, lienzo, madera, vidrio, lacado, arcilla o hormigón. Los cuadros pueden estar decorados con hojas de oro y algunos cuadros modernos contienen otros materiales como arena, arcilla y trozos de papel. Una parte de la historia de la pintura en el arte oriental y occidental está dominada por motivos e ideas espirituales; ejemplos de este tipo de pintura van desde obras de arte que representan figuras mitológicas sobre cerámica hasta escenas bíblicas representadas en las paredes interiores y el techo de la Capilla Sixtina, hasta escenas de la vida de Buda u otras escenas de origen religioso oriental. Entre las direcciones continuas y actuales de la pintura a principios del siglo XXI se encuentran la pintura monocroma, la pintura de borde duro, la abstracción geométrica, la apropiación, el hiperrealismo, el fotorealismo, el expresionismo, el minimalismo, la abstracción lírica, el arte pop, el arte de la vista, el expresionismo abstracto, la pintura de campo de color, el neoexpresionismo, el colaje, la pintura intermedia, la pintura, el ensamblaje , Pintura de arte computacional, pintura postmoderna, pintura Neo-Dada, pintura de lienzo con forma, pintura mural ambiental, pintura de figuras tradicionales, pintura de paisajes, pintura de retratos y animación de pintura en vidrio. Los avances en la pintura oriental históricamente son paralelos a los de la pintura occidental, en general, unos siglos antes. El arte africano, el arte islámico, el arte indio, el arte chino y el arte japonés tuvieron una influencia significativa en el arte occidental y, finalmente, viceversa. Las pinturas más antiguas conocidas están en la Grotte Chauvet en Francia, que según algunos historiadores tienen unos 32.000 años de edad. Se graban y pintan con pigmento rojo ocre y negro y muestran caballos, rinocerontes, leones, búfalos, mamut o humanos a menudo cazando. Sin embargo, la primera evidencia de pintura se ha descubierto en dos refugios rocosos en la tierra de Arnhem, en el norte de Australia. En la capa más baja de material en estos sitios se utilizan piezas de color ocre estimadas en 60.000 años de edad. Los arqueólogos también han encontrado un fragmento de pintura en roca preservada en un refugio rocoso de piedra caliza en la región de Kimberley de Australia Noroccidental, que tiene 40 000 años de antigüedad. Hay ejemplos de pinturas rupestres en todo el mundo: en Francia, España, Portugal, China, Australia, India, etc. En las culturas occidentales, la pintura al óleo y la pintura a las acuarelas son los medios más conocidos, con tradiciones ricas y complejas en estilo y temática. En el Este, la tinta y el color dominaron históricamente la elección de medios con tradiciones igualmente ricas y complejas. Los diferentes tipos de pintura suelen ser identificados por el medio en el que se suspende o incrusta el pigmento, lo que determina las características generales de trabajo de la pintura, como viscosidad, miscibilidad, solubilidad, tiempo de secado, etc.